在串流平台盛行的時代，越來越少人買CD聽歌，但依然堅持做好唱片設計的人，又為了什麼？ 本地設計師王文匯（Sunny）由平面設計做到唱片設計。2023年，憑林家謙的專輯《MEMENTO》贏得台灣金點設計獎標章，最近也剛辦完個人展覽《卡嚓》，收錄了張天賦、陳健安、李俊傑等歌手的專輯。「不敢講是使命，但我覺得做設計就是埋下一粒種子啟發別人。」不知道哪一天，哪一個人會遇到這張專輯，「可能這張專輯可以啟發到他，感動到他，又或者單純覺得設計很美，已經很足夠。」 文字：Godric @_godricleung 攝影：Eddie @eddielok814 設計：Ruby @kcmmman ｜細節中藏驚喜 買了一張唱片，由打開那隻碟開始，每一頁都像在逐層拆解歌者想表達的訊息，「這個過程其實可以拉近樂迷與藝人的距離。」因此設計唱片時，相比花巧的畫面，Sunny更著重從歌詞及專輯概念出發，在細節中埋下小驚喜，提升樂迷的體驗。 例如洪嘉豪的《CANVAS》以鉛筆碎作主題，比喻他不斷嘗試的創作過程。打開專輯的一刻，鉛筆碎隨即散落，而大一點的「碎屑」則印上歌詞。而林家謙的《MEMENTO》，Sunny則以紀念冊為主題，用不同物件去呼應各首歌曲。例如他用一張購物單據列出了《夏之風物詩》裡出現過的物品，單據上的「價錢」其實是這些物件在MV出現的秒數。 將驚喜藏在細節之中，實體碟不再只有聽歌的功能，樂迷也能參與其中，在翻閱之間不斷探索歌手的世界。「這種互動和體驗很重要，不是就這樣看一份漂亮的相集就完。」 ｜我的設計之道 然而，設計也需要錢。每一個包裝、每一種紙質，也可以產生不同的效果，但Sunny坦言，在香港絕不能單靠唱片設計維生。「現在經濟很差，公司的預算一定不會像以前幾十年前那麼多。」要面對現實，但即使預算變少，也沒有令Sunny卻步，「我反而會想：怎樣用一個特點，令整件事不普通？」 Sunny的做法是為每張專輯設計標誌性的記號，「我不是想將個人的風格強加到每一個歌手身上，我會考慮哪些設計元素最適合他。」只要成功突顯一個主題，就能令人印象深刻。陳健安的《Project Reject》，Sunny以紅色標記所有負面字眼，用一個概念貫穿整張專輯。而設計MC張天賦的《Sweet and Sour》時，Sunny讓他戴上以糖果做鏡片的眼鏡，一個道具同時扣連「甜」的概念和全新的形象，簡單又刻骨銘心。 ｜為香港設計埋下種子 然而，談到香港的設計環境，Sunny認為不只是娛樂圈，是香港整個市場也太成熟，但他所指的「成熟」其實是一種保守，「客戶永遠都自己的logo大一點、海報入面的字也要再大一點。」他以演唱會海報為例：「為什麼人名一定要這麼大？看到他的臉也知道他是誰，有些賣座的藝人，根本不需要那麼保守。」同時，設計界也彌漫住死氣沉沉的氣氛。「老實說在亞洲撇除日本之外，台灣也積極地做很多設計獎項，例如關於音樂的頒獎典禮，也會有封套設計的獎，為什麼香港這麼多年都沒有呢？」 現實雖然一時三刻難以被改變，但如其放負，不如繼續堅持創作，或許就能凝聚更多同路人。「我想讓人知道，實體碟這個行業還有空間提升。」亦正因如此，在剛過去的兩個月，Sunny辦了個人的唱片設計展覽，沒有刻意只面向樂迷，而是想吸引一些平時不買碟、甚至不怎麼聽歌的人。 展覽起名為《卡嚓》，也是一首由周耀輝填詞、盧凱彤主唱的歌曲名稱。年輕時，Sunny曾盼望能為自己喜愛的音樂人，如方大同與盧凱彤設計唱片。願望最終未能成真，但就如這歌名所說，有些事情就像拍照一樣，「卡嚓」一聲留住瞬間，足以讓人好好珍惜。而設計實體碟就是Sunny為歌手、為樂迷，為我們留住瞬間的方法。 「現在的數碼平台，可能某位歌手離開唱片公司，歌曲就可以因為版權問題而被下架。」一張唱片卻不會，只要留得住，收藏得住，就是一段回憶最實在的證明。 In ACOO, you can see #ACOOPerson.

中國歌手宋冬野睽違十三年後，終於發行新專輯《再想想》。宋冬野是近年中國民謠的代表人物，2013年發行的專輯《安和橋北》，一直被不少民謠愛好者視為必聽的經典專輯。沉寂十多年後，宋冬野發行新專輯的消息一出，旋即在歌迷之間引起轟動，紛紛感嘆有生之年竟能盼到他的新作。這些年來，總會不時想起他喃喃自語般的歌聲，把他的舊歌翻聽又翻聽，也在他充滿故事感的聲線裏，反芻著自己的某段歲月。闊別多年，這位故友帶來新作，自然令人期待。 今年38歲的宋冬野在北京出生，2009年開始在網上發佈作品，2010年推出首張專輯《雪泥鴻爪》，製作簡單，卻純樸真誠。2013年，〈董小姐〉在選秀節目上被翻唱令他迅速走紅，同年他的專輯《安河橋北》發行，讓他的名字傳遍兩岸三地。歌迷們最喜歡的《安和橋北》，對於每個人來說，可能都代表著自己的某段時光，記載著某種少年愁緒。宋冬野在創作時二十多歲，以作品承載他對逝去祖母的懷念與對成長地的告別，藉由具體的人事物和留白的敘事，訴說著青春、離別與鄉愁。不少人覺得深受感動，宋冬野卻認為：「有些人說被我的歌感動了，可是我的這點故事能感動誰呢？他們是被自己感動的，因為他們聽到我的歌之後想到了自己的故事。」 爆紅之際，宋冬野卻在2016年因吸食大麻被捕，並遭行政拘留10日，被列為劣跡藝人，演出屢被取消，從此消失在公眾視野。沉寂期間，他默默寫歌，在2017至2018年寫的〈郭源潮〉、〈空港曲〉和〈知道〉三首單曲，均有收錄在這次新碟中。他說，以前寫歌是在記錄發生的事和見過的人，現時寫歌是努力發掘自己，像扒自己一層皮。新碟的作品，較多是他的這些年來的思考。早在2015年受訪時，他曾提過，在生活安逸之後，曾陷入一段頗抑鬱的狀態：「每天在想同一個問題，人為甚麼活著。為甚麼呢？不知道。」音樂是他梳理自己的空間，經過時間沉澱的思緒，化作了一首首作品。他後來創作的〈知道〉，正是回應關於活著意義的思考。 有別於前作的民謠風格，新專輯跳脫了人們熟悉的宋冬野。對他而言，自己只是一直真實地寫歌記錄生活。不同時期的作品，也映照出他當下的心境。那些夏天一早就像青春一樣回不來，十數載過去，宋胖子瘦了，也從青年轉眼即將踏入不惑之年，少了些對青春流逝的惆悵，收起了幾分衝動，多了一份釋懷，依然帶著些許迷惘。聽歌的我們也一同經過歲月的洗禮，對於有些事情想得通了，有些可能還未，可能還要再想想。 文字：林三 @lam.three 設計：Larry @ialyrral_ -------------------- In ACOO, you can get refreshed in #ACOOMinute.

少說話做實事，是本地樂隊before the night ends對待音樂的態度。 訪問當日，我們邀請他們在band房演奏一些曲目。爽快答應過後，五人立刻在不夠200呎的空間中，擺出收納好在不同抽屜內的器材。梁子準備他的結他與演唱用的mic、低音結他手Kuma放好不同顏色的效果器、結他手Kim幫鼓手Kin設置電子鼓的收音，Jeff則在窗口旁練琴。他們不是埋頭苦幹，只是沉默寡言的同時，工作乾淨俐落。 梁子笑言：「我們一向都沒有很hyper的情緒，亦都沒有很down的情緒。」就連成軍五年，第一次出專輯、辦專場演唱會，再在開賣半日內完售，他們也沒有在whatsapp group為此慶祝或說些什麼，成員都是在IG看到主辦的公告才得知喜訊。「我們樂隊就是這樣，不會分享大家的情緒，不報喜也不報憂。」這種「工作向」的相處模式，卻給了成員們自由創作的空間。 文字：Godric @_godricleung 攝影：Andrew @andrew_bangchan 設計：Larry @ialyrral_ ｜由單曲變專輯 before the night ends於2021年成立，最初是梁子為了自我紀錄，兼討好女朋友的個人音樂企劃。到了2023年，加入四位成員，成了現時的編制，但為什麼會選擇在這個時間出專輯？梁子平靜地說，很少樂隊玩了五年，也只是出單曲，「好像時間到了。」 過往的創作模式很簡單。歌做好就出，出了就做下一首，沒有時間表，也沒有大計劃。然而這一次《仲夏小風波》實體專輯，收錄11首歌，Kuma坦言壓力也比前大。「始終是完整專輯，在聲音方面，我會想整件事有一體性。」他形容專輯是個大畫面，背後有故事線，樂器的音色也要連貫。雖然要花的心思與難度大增，但到完成的一刻，成就感也更大。 ｜我們的夏天 首張專輯《仲夏小風波》，曲風延續dream-pop / bedroom pop的基調，但跟過往不一樣，不再是陽光燦爛、粉紅泡泡的夢幻色彩，取而代之的是黑白。梁子說：「之前的歌曲會呈現夏天明亮的一面，但今次濕氣有點重，有點霉菌。」而跟專輯同名的新歌，由琴手Jeff作曲，「從2024年開始寫，兜兜轉轉放在這張專輯。」這也是團隊首次不是由梁子包辦曲詞，他說：「原來有bandmate寫歌是很新鮮的。」他記得Jeff最初分享的demo已很完整，「我很快就想到一個脈絡可以怎樣填詞，寫的很順。」 創作專輯時，梁子想著朋友在夏天時發生的戀愛故事。選黑白色，不是因為故事傷心，「我是中立的，沒特別覺得開心，或不開心。」而是灰色可以象徵一種似曾相識的片刻。「那是在夏日發生的一個小故事，記憶也逐漸消退了，就像你小時候看粵語殘片一樣，永遠都是凌晨時份，你好像看了一些東西，又好像沒看到，但通常都是黑白色。」而在訪問過程中不多說話的Kin認為，這張專輯就像回看一場經歷，「好像在一個好寒冷的冬天，想起一個很深刻的夏天。」只要完整聽畢十一首歌，或許也會勾起一點共鳴。 ｜工作向溝通 談到五人的相處之道，Kim笑言：「我們用音樂溝通的，不是很講話。」不會講心事、不強迫分享情緒，閒聊都是講音響器材，實事求事，就是五個人維持感情的方式。梁子坦言自己也嘗試過跟成員「deep talk」，但一眾內向「I 型人」也是沉默㝰言的。外人看起來會覺得奇怪，當時人卻舒服自在，「這種相處也很好，大家聚焦在工作上，不鬧情緒，不會說自己討厭誰就不想做，只要完成到件事就可以。」 今個週末，他們將在PORTAL迎來成軍以來首個專場音樂會。興奮是有的，期待也是有的，但他們依然是一臉情緒穩定的樣子，默默地說：「表演前要再練多一點。」至於樂隊的下一步，梁子透露想寫一些英文或國語歌，也會嘗試報名參與國際音樂節，「不過十劃都未有一撇，肯定了再跟大家說。」不說太多，盡力做好眼前的事，就是before the night ends繼續向前邁進的方法。 In ACOO, you can see #ACOOPerson

真實世界沒有預先寫好的劇本，而鏡頭可以讓被掩蓋的經歷留下證言。 由歐洲聯盟駐香港及澳門辦事處主辦、百老匯電影中心合辦的《歐亞紀錄片週2026》，將於7月22日至8月9日舉行，帶來17部近年攝製的紀錄片，包括13部來自歐洲的作品，以及來自伊朗、日本、哈薩克和南韓的四個亞洲故事。電影穿梭校園、戰地、國會、債務事務所、心理治療室與高山峽谷，探討戰爭人權、性別議題、心理健康、環境與公共對話。 #青春與身份 ｜開幕電影：《愛爾蘭嘻哈少年團》 在愛爾蘭南部的青年創意空間The Kabin Studio，一群對成長感到迷惘的少年，在饒舌歌手指導下，把街頭嘻哈、現代英語與傳統愛爾蘭語混合。電影記錄他們如何由羞澀疏離走上舞台，透過創作尋找社群、文化傳承與身份認同。 日期：7月22日及8月2日 #戰火下的選擇 ｜《無名氏先生》 俄羅斯入侵烏克蘭後，小鎮教師兼校園攝影師Pavel Talankin眼看學校逐步變成國家宣傳機器，更被要求向孩子灌輸官方思想。他選擇暗中拍攝校園真相，最終成為吹哨者並被迫逃離故鄉。當「愛國」被權力挪用，一個普通人可以如何守住良知？ 日期：7月27日及8月8日 ｜《傷痕之下》 在烏克蘭東部，性暴力與囚禁被用作戰爭武器。曾遭幽禁的倖存者Iryna Dovhan走進重新收復的地區，記錄受侵害女性的證詞。電影呈現她們如何彼此支撐，把私密創傷轉化為追尋公義的集體行動。本片獲柏林影展全景單元觀眾票選獎，並作亞洲首映。 日期：7月30日*及8月9日 *設線上映後談 #制度與公共對話 ｜《警察講數隊》 瑞典有一支不以拘捕和鎮壓為首要任務的特殊警隊。他們穿梭示威現場，負責傾聽與協調，嘗試在衝突升級前建立對話。當言論自由、公共安全與政治立場互相碰撞，對話是理想化的民主想像，還是真正守護自由的力量？ 日期：7月28日及8月8日 ｜《人民宮殿》 導演Rui Pires花上一年進入葡萄牙國會，記錄《基本住屋法》的辯論、協商與利益角力。鏡頭打開這座權力黑盒，觀察社會訴求如何轉化為法律條文，也追問這座「人民宮殿」能否真正回應宮殿之外的人。 日期：7月26日及8月5日 #貼身生命故事 ｜《反對腦朋友》 電影記錄五位與幻聽共存的受訪者，在精神科醫生引導下，直接與腦內聲音展開對話。隨着創傷逐步浮現，他們重新理解內在經驗，電影亦拆解社會將「聽見聲音」等同精神失常的標籤。 日期：7月25日及8月7日 ｜《子承父業》 專門協助客人重組債務的法務士父親，竟因投資失利瀕臨破產。原本希望成為詩人的導演兒子，只能加入父親的事務所，一邊替陌生人整理破產人生，一邊處理自己的債務、怨恨與依賴。這齣黑色幽默家庭悲喜劇將於香港作國際首映。 日期：7月24日*、25日*及8月4日 *設映後談 #自然與萬物 ｜《萬物啟示錄》 這部影像百科全書分為動物、植物與礦物三章，從歷史影像、植物園到經歷勞動與戰爭的石頭，重新思考人類如何觀看自然，邀請觀眾暫時離開人類中心的視角。 日期：8月1日及7日 《歐亞紀錄片週2026》於百老匯電影中心、PALACE ifc及PREMIERE ELEMENTS舉行。正價門票$95，全日制學生票$45；bcinephile會員另設優惠票價及買一送一電子優惠券。 In ACOO, you can discover a dynamic lifestyle in #ACOOPick.

夏花的盛放，不一定來自溫室裡被悉心照料的生長。更多時候，它的生命力更體現在高溫、風雨、擠壓與不安之中，仍然向外展開自己的一種形態。城市當代舞蹈團的熠熠炅系列《生如夏花》以繁花生長的特性為起點，讓團員們化身編舞，將舞者的生命狀態拆解呈現。 《生如夏花》共有十個作品，每位編舞都向內挖，探討與自己生活切身相關的命題。有人回到囚禁與社會事件，有人處理關係中短暫卻深刻的痕跡，也有人直面原生家庭留下的贈與和詛咒。 這次創作對團內的舞者而言，也是一場身份上的轉換。他們既要為自己的作品編舞，也同時要以舞者的身分參與其他團員的作品。劇場構作 Melissa LEUNG 指出，平日舞者只需要演繹編舞的作品，但這次身份上的轉換，則要他們「訓練另一種肌肉」。許多其他準備功夫，例如選樂、構思道具、與製作團隊溝通，都是這群年輕編舞們這次需要挑戰的東西。 ｜〈欞牢〉REHAS：在牢籠中鑿出聲音 來自菲律賓的團員 Alliah Xandra TORTE 編創的〈欞牢〉REHAS，題目源自於她的母語，意指監獄牢房。作品以當代舞呈現被困於牢籠之中的生活經驗，以及當中的社會系統與權力關係。 這來自一個真實的故事。2019 年，Alliah 曾進入菲律賓的監獄觀察，接觸牢籠之內的真實生活。去年，她當時曾探訪的一位對象離世，這次創作也帶有向對方致意的意味。她說，希望作品讓觀眾「對那些不在我們日常生活中的社會事件提出更多疑問，並為那些未被聽見的人發聲」。 ｜〈巴掌〉Slap：曇花一現的關係，留下長久的痕跡 由 Jon Henri FERRER 與楊宇共同創作的〈巴掌〉Slap，則從人與人之間的出現與離開出發。 楊宇指，他們想探討的是「永恆」這個命題。某些關係出現如曇花一現，卻留下深刻的痕跡。它未必以長久陪伴的形式存在，也未必有一個完整的結局，但那一下觸碰、離開或撞擊，會在身體裡留下記憶。 而兩人的合作本身，也像一次溝通的練習。來自菲律賓的 Jon 和來自浙江的楊宇，儘管母語不同，透過言語未必時刻完全明白彼此，但他們平日的溝通亦會嘗試夾雜不同形式，有時用畫畫、語音翻譯，也靠排練室裡更直接的身體直覺去理解對方。一個動作的力度、一段距離、一個停頓，有時比句子更快抵達對方。 「Body is good!」Alliah 和一眾團員在旁邊手舞足蹈地說著。 ｜〈臥龍街43巷〉No. 43, Wolong St.：在血緣裡成為自己 來自台灣的團員陳代雯的〈臥龍街43巷〉回到原生家庭的贈與和詛咒。她透過作品，重新叩問她和父親的關係，面對一直深埋的恐懼。臥龍街43巷是代雯在台灣家鄉的住址，為了這個作品，她特意回到台灣，並將過去十幾本已塵封的日記逐本翻開，藉著創作的契機，重新面對過往，「有些令自己不舒服的人和事，其實也造就了自己。」 藝術總監桑吉加在旁補充，形容它是很私密、很個人、很坦誠的一個作品，「創作有時是一種勇敢面對自己害怕的東西，不要繞開的過程」。 《生如夏花》十個作品分別從各位團員的切身經歷出發。它不是一場單一主題的群舞，而更像一次關於年輕舞者內在世界的集體展示：每個人都帶著自己的土壤、傷口與問題來到舞台，嘗試透過身體重新理解自己與世界的關係。 生如夏花，並不只是燦爛盛放；也是在壓迫、疼痛與牽絆裡，仍然選擇長出自己的形狀。 熠熠炅系列《生如夏花》 日期：7月31日至8月2日 地點：西灣河文娛中心劇院 ACOO 讀者於 art-mate 或城市售票網購票，輸入優惠碼【LSFART10D】即享9折！ In ACOO, you can discover a dynamic lifestyle in #ACOOPick @sangjijia @melissatuen @alliahtorte @_yyangyu @jon.ferrer_ @daiwen_chen #生如夏花 #LikeSummerFlowers #CCDC #城市當代舞蹈團

｜劇季背後的選擇與思考 一個劇季的劇目是怎樣被選出來的？ 對觀眾來說，它可能只是三張海報、三個節目名、三次買票決定。但對藝術總監來說，劇季不是把幾齣戲排在一起，而是一次選擇：今年，劇團想讓觀眾看見甚麼？又想和他們建立起怎樣的連結？ 張可堅，更多人叫他堅叔，如今是中英劇團藝術總監。中英劇團成立於一九七九年，是香港歷史悠久的專業劇團之一，長年製作舞台演出，也發展教育劇場、學校巡演、社區及外展項目。對一個劇團來說，基本功不只是完成一齣戲，而是長時間建立自己的劇團性格：它如何選擇作品，如何面對觀眾，如何在不同年代裡仍然知道自己為何要做劇場。 採訪：Ines @ines.tsui 設計：Lily ｜劇團的基本功，是把作品接回觀眾身邊 若要理解堅叔今日如何看中英，也需要回看這個劇團一路以來的個性。中英早年並不是只把外國劇本搬上舞台，而是不斷嘗試把戲劇放回香港語境裡。 堅叔記得，中英並非一開初就有著大量觀眾的。有次演希臘劇，他站在大會堂舞台上，望出去只有二三十個觀眾，甚至可以在台上數著丁零的人頭。那時「香港觀眾以為中英做的是英文戲，外國觀眾又以為他們做的是廣東話戲，兩邊都未必知道這個劇團到底是在做甚麼」。 及後便來到了一九八五年的一部劇《我係香港人》。那是中英早期很重要的作品，從香港歷史與身份出發，回應八十年代香港前途問題下的社會氣氛。《我係香港人》有很多歷史事實，也很活潑。演出不是傳統舞台，觀眾圍著演員坐，連小學生、中學生都很喜歡。作品後來大受歡迎，演出超過百場，還曾到澳門、新加坡、澳洲等地演出，這對於當時的劇壇而言無疑是一場壯舉。對他來說，這齣戲也令更多人開始知道：原來中英不是只做英文戲，也可以用劇場回應香港人自己的處境。 到一九八六年，中英在香港藝術節演出《元宵》。這齣戲由莎士比亞《第十二夜》改編而成，把原作放進唐代背景，並以詩詞歌賦、文雅與粗鄙並置的語言層次，對應莎士比亞原作裡不同人物的說話方式。堅叔指那時很少人這樣處理外國經典，因此在香港劇界引起很大迴響。 這幾個片段，放在今日回看，便不只是劇團歷史裡的成功案例。從大會堂裡只有二三十個觀眾，到《我係香港人》讓更多人認識中英，再到《元宵》把莎士比亞轉化成觀眾能夠感覺到的中文語境，中英的劇團性格也逐漸清楚：戲劇不只是他人的故事，而要回到觀眾聽得明、能共感的位置。 對於堅叔而言，最後的目的，是希望觀眾離開劇院時，可以帶著一個問題：「這齣戲跟我有甚麼關係？」 ｜「一隅微光」不是一開始就有的名字 中英第四十七劇季以「一隅微光」為題。這個名字指向的，不是宏大的光，而是在角落裡的微光，是那些平日容易被忽略、被遮蔽的情緒與人物狀態。把「閃亮燈射到最細微的一點」，讓人看得更清楚，也讓觀眾有機會停下來，重新注視平日那些未被理解、重視的部分。 「我不太喜歡追逐轉瞬即逝的題材」。新聞、潮流、即時議題當然有它們的力量，但堅叔更關心那些比較恆常，無論在任何時代都適用的命題。像《十二怒漢》是上世紀五十年代的劇本，講述十二名陪審員在密室裡討論一宗少年弒父案，當大部分人都認定被告有罪時，卻有一人堅持重新檢視證據，迫使眾人面對自己的偏見與判斷；《唐吉訶德》則是更久以前的故事，寫一個沉迷騎士小說的老人把自己當成遊俠騎士，執意追尋理想與正義，即使被旁人視為荒唐可笑也不放棄信念。 堅叔喜歡這些作品，正因為它們不是只回應一時一地的事件，而是持續提出問題：人如何判斷別人？如何面對偏見？如何相信一個未必會實現的理想？這些問題，也回到他作為藝術總監的選擇：作品不一定要追逐最新的題目，但要有足夠長久的生命力。 ｜往角落裡注視 今季三個主舞台作品，正好從不同入口回到堅叔關心的問題。 《代父重婚》是喜鬧劇，故事講述單親家庭長大的成桂賢與母親關係不和，意外穿越回父親身上，遇上父母大喜之日；堅叔談起這齣戲時，不是先談笑位，而是談母子關係。他問：「一個兒子這麼不喜歡母親，但他有沒有真正了解過她？」他說，很多時候，人被「表徵」遮掩，只停留在情緒上的反射，不會再問為甚麼。放在《代父重婚》裡，這個問題便落在一段最親近、也最容易被誤解的關係上。兒子看見的是母親今日的樣子，卻未必知道她如何走到今天。 《邊城》改編自沈從文的經典小說，少女翠翠在川湘交界的小鎮裡經歷愛情、錯過、離別和等待。這不只是愛情故事，而是一些在日子間流淌的愧疚、希冀和懇切。 到《巴托比》，問題則走到另一個位置：一個辦公室職員由一句「我寧願不」開始，逐漸拒絕工作、離開辦公室，甚至拒絕進食。這個作品觸動堅叔的，是「雖然社會好像很進步，但我們到底有多了解一個人？」他曾和編劇、導演討論巴托比的背景故事：「他遇到過甚麼事，才會變成這樣？」這些背景未必會全部呈現在觀眾眼前，甚至觀眾未必會知道，但演員和創作者要知道。 三齣作品類型不同，但都不是只停在故事表面，而是讓觀眾在母子關係、等待與拒絕之中，再問一次：「我們到底有沒有真正理解過一個人？」 ｜不是答案，而是入口 作為藝術總監，堅叔要處理的，正是這些作品如何被放在同一個劇季裡。作品要容易入口，不把觀眾拒諸門外；但進入之後，也要留下問題，讓觀眾離開劇院時仍然想起：「這齣戲跟我有甚麼關係？」 如果說演員的基本功，是不急於把一個人定型；那麼藝術總監與藝團的基本功，也許就是替觀眾找到入口，讓他們在不同作品裡，重新看見那些還未被理解的人。 In ACOO, you can see #ACOOPerson.

｜走過近五十載的劇場人 張可堅，更多人叫他堅叔。若要用一個身份介紹他，反而難以三言兩語交代。他是演員，也是導演；翻譯過劇本，監製過製作，做過藝術行政，如今是中英劇團藝術總監。從七十年代末第一次走上舞台，到八十年代加入中英劇團，再到今日帶領一個歷史悠久的專業劇團，他的劇場路，幾乎走過了香港話劇發展的幾個重要轉角。 但堅叔的劇場路，起點帶點偶然。中六那年，他因同學邀約，第一次走進新光戲院看舞台劇。後來，他到電視台參加演戲比賽，做過音樂節目片段，也拍過電視劇《狂潮》。一九七七年，香港話劇團成立，當時還沒有全職演員，劇團從申請者之中挑選演員參與演出。堅叔被麥秋選中，演出桑頓・懷爾德的《大難不死》，飾演兒子一角。 幾年之後，他從浸會大學英文系畢業，本來已考到政府工，最後卻加入中英劇團。後來，他也曾離開全職劇場，在廣告、活動製作、大學行政、書籍銷售等不同工作之間輾轉。這些經歷令他不像只從單一學院系統裡長成的劇場人。他讀文學出身，也在不同行業裡看過人如何工作、溝通、妥協和相處。也許正因如此，當他談演員的基本功時，談的不是一套封閉的表演技巧，而是一個人如何理解世界，如何理解另一個人。 那麼對於這個走過近五十載的劇場人，到底甚麼才是他認為的演員基本功？ 採訪：Ines @ines.tsui 設計：Lily 這個問題放在堅叔身上，特別有意思。因為他不是從學院系統出發的一代演員。那時香港還沒有演藝學院，一九八二年加入中英後，他遇上的也不是完整的學院訓練。中英劇團的英國演員早上會和本地演員做工作坊，之後便分成兩組巡迴演出：英國演員到學校做英文戲，本地演員則做廣東話戲。幼稚園、中小學、十八區公園、商場，都成為他練習演員基本功的地方。 以前不少演出場地設備也很樸素，基本上只有一塊地，連麥克風也沒有，所以演員聲量必須要夠。觀眾不是買票坐定定入場，而是在公園裡經過，喜歡就停下來站著看，不喜歡便走開，於是更考驗演員的功力。堅叔記得，每做完一齣戲，他便聲嘶得喉嚨痛，要去看醫生。 有次演兒童劇，堅叔扮演一隻獨角獸，頭上的角忽然不知掉到哪裡去。因為近視看不清也摸不著，他索性即興問小朋友：「我的角去了哪裡？」一個突發失誤，卻演變成和觀眾重新連接互動的方法。而這種訓練不是在課室裡學回來的，而是在現場裡逼著訓練出來的。 ｜演戲不是演戲 問到演員訓練，堅叔沒有先談及聲線、身體，或任何耳熟能詳的表演技巧。 他篤定地說：「演戲不是演戲，你不要想著演戲。」演員不應只想著自己正在演一個角色，而是要問：如果我在這個人的狀態裡，我會怎樣？ 這句話聽來抽象，卻幾乎概括了他理解演員這種存在的方式。對這位經驗充沛的劇場人而言，演員的基本功，最終不是某一套技巧，而是認真地生活：有沒有感受，有沒有共情，有沒有在日常之中練習理解自己與他人。 在堅叔看來，演員其實不是單純「扮演」另一個人。無論如何，演員都會帶著自己的生命經驗、記憶、感受與限制進入角色。關鍵不在於把自己完全變成別人，而是借自己作為入口，進入另一個人的狀態。若我是他，若我經歷他的事，若我有他的處境和限制，我會怎樣？ 他談到自己於二〇二二年執導的中英劇團作品《辯護人》時，便用了類似的方式理解人物。這部由郭永康編劇的作品，改編自台灣捷運無差別殺人事件。案件本身看似早有結論：人是他殺的，還有甚麼好辯？但堅叔感興趣的，正是這個「為甚麼」。「為甚麼一位律師仍願意為他辯護？為甚麼一個年輕人會走到那一步？」他記得犯人曾說，如果可以早點認識那位律師就好了。這句話令他想到：「一個人內心到底有多孤獨？他是否曾經有機會被真正理解？」戲劇不是為了替誰開脫，而是在最難被理解的人身上，仍然多問一句：「如果我是他，如果我在他的世界裡，我會怎樣？」 當然，堅叔並沒有否定技術。他說，文字理解、聲線控制、身體的靈活度，都是演員的基本功。身體和聲音是演員的器具，器具要能用，但更多卻是要講求一種理解。演員面對每個角色，都是另一種人生與處境。當他願意多問一句、多想一步，便能看見一個人行為背後的原因與掙扎。 對堅叔而言，同理心正是演員最重要的基本功。 In ACOO, you can see #ACOOPerson

壁畫大概是最接近社區的藝術。當一面本來無人關注的外牆添上顏色後，整個街區的氣息也隨之改變。它不需要入場券，不設開放時間，路過就能看見，久而久之就會記住。 最近中電為慶祝成立125周年，把啟德承啟道的變電站外牆，交給藝術家與九龍城區的學生，畫出一幅跨越時代的大型壁畫。 ｜一面牆，看獅子山的時空交錯 壁畫以獅子山為背景，將啟德的前世今生濃縮在畫面裡。左邊是舊日記憶，有在舊啟德機場上方低空掠過的飛機、有埋首鋪設電纜的中電工人，也有靜靜佇立的歷史建築「中電鐘樓文化館」。至於右邊則描繪了現今的啟德發展區，同時包含電動車及再生能源設施等現代元素，用活潑繽紛的色調，展現香港未來的低碳可持續生活藍圖。 兩個時空的畫面，以活潑明亮的色調交織在一起。畫面中的人物在生活、在工作、在散步，整幅壁畫不是為了寫實地還原街景，卻滿載溫度與細節。站在牆前湊近細看，或許會找到藏在角落的社區彩蛋。 ｜VR起稿，60位學生接力上色 負責這幅壁畫的藝術家團隊沒有用傳統的方式在牆上畫草稿，而是引入VR技術，先戴上智能眼鏡精準繪製壁畫線條，再由人手逐筆填色。 接棒上色的也不只有專業畫師。中電早前舉辦工作坊，邀請了60多位來自九龍城區的保良局本地及少數族裔中學生，聯同特殊學校的學生一起拿起畫筆，親手為外牆塗上顏色。過程中他們也認識再生能源知識，讓這面牆不只是一件藝術品，也是一堂課、一次相遇、一個共同創造的記憶，同時為這幅藝術牆添加一份社區共融的溫暖意義。 📍地點：九龍啟德承啟道34號承啟道變電站（鄰近啟德發展區） ——————— In ACOO, you can discover a dynamic lifestyle in #ACOOPick. #中電 #承啟道變電站 #壁畫

是日天晴，鄭君熾（阿佐）帶我們從上環港澳碼頭，繞過香港話劇團位處的上環文娛中心，再拾級而上，在附近一家Cafe坐下來，喝喝咖啡聊聊天。作為音樂劇演員，他走過的路，當然不只這一條，但何妨從原點說起？ 文：黃子翔 導演：吳振忠 攝影：方智傑、鍾煒樂 場地鳴謝：順．逆珈琲酒館ohms cafe & bar（IG：ohmshk） ｜澳門成長 遙望香港 「我在香港出生，但自有意識開始，已身在澳門。」阿佐出生後不久，舉家移居澳門，在當地讀書，而從上環碼頭，搭地鐵到灣仔的入境事務大樓，然後返回澳門，是他小時候對香港的依稀印象，「爸爸每隔一、兩年便帶我回港辦證件手續，乘的是那種大輪船，那時候船程要兩小時，很漫長、很搖晃。」無論當年還是今日，港澳大不同，「香港有很多高樓大廈，小時候覺得很有趣。」他只是一個很普通的小孩子，上學、玩耍、交朋友，根本沒想過要演戲，澳門又是多麼的寧靜，在生活上很惬意，「現在回想，那是一段很平靜的日子。」他在大學時期意外參加演員試鏡被發掘，從此踏足舞台，後來更赴英國進修，攻讀音樂劇碩士，這是他之前沒有想過會走的路，卻通往無數夥伴同行的未來。 小時候，他自覺是澳門人，認為香港甚遙遠，但當上演員後，到香港生活，找工作機會，多了跟本地朋友交流，漸漸視自己是香港人，「這是一個漫長的身份轉換過程。」跟香港演員有沒有甚麼不同？他想了想，「不知呢，可能有？」無論世界觀，還是看事情的角度，或許不一樣，「澳門社區不大，人與人之間很親密，互相連繫，思想簡單，也可能受從前葡萄牙管治影響，南歐嘛，較Chill、Carefree；香港人也很有愛，做事有條理、講規矩、重視專業，這方面很『英國』。」他欣賞香港人的效率與拼勁，做事乾脆俐落，又充滿活力。他的個性本來很Chill，但在香港待久了，壓力漸增，「又要快又要好又要準，標準很高，但同時很興奮，可以跟一班夥伴一起做些甚麼，很正！」 因為2015年的《俏紅娘》，他開始跟香港話劇團結緣，後來便有《假鳳虛鸞》、《大狀王》，以至今年11月開演的《狼狽行動》，「當時到上環辦公室試鏡，跟那時的藝術總監陳敢權見面，不久後便邀我參演。」他謙稱半途出家，沒有接受很有系統的訓練，甚麼都不懂，跟大團合作，難免緊張，「真是膽粗粗！」原來他早於《俏紅娘》，便跟後來《大狀王》的好拍檔劉守正合作，彷彿冥冥中自有安排，「所有事情，都引領我走到《大狀王》那一步，默契自然而然，找到我們之間獨有的化學作用。」他眼中的劉守正，是一個好演員，很通透，跟他對戲，給他甚麼都接得住，叫人安心，「然後他會因應你的反應，無論拋甚麼回來，都確保你接得到。」 ｜變裝大挑戰 好聽一點是「紅褲子」，實戰經驗豐富，其實一路走來，更多是誤打誤撞，他得經常觀摩其他製作，也向前輩偷師，吸收、消化、學以致用。自2012年成為職業演員後，總共演過幾多套作品？他「嘩」了一聲，數數手指，「應該未夠一百套，但接近中。連我也有點吃驚。」他選了三套最重要的演出：《梁祝的繼承者們》、《大狀王》、《搖滾芭比》；遺憾落選的，是《時先生與他的情人》和《高世章的神奇電影畫布》，不打緊，都進五甲吧。被他形容為「起點」的《梁祝的繼承者們》，2014年首演，跟林奕華初次合作，那時他飛往台北，跟十多個演員，一起待在排練室裏，從零開始，學習甚麼是藝術、甚麼是『家』，只一個月，已獲益良多，「側面地教曉我，這個職業，有甚麼意義和價值？」 至於2019年預演、2022年首演的《大狀王》，排練過程相當長，他坦言第一次實實在在的感受到舞台上的快感，「我是一個慢熱的人，排甚麼戲都會緊張，但這套戲有足夠時間去磨合，讓我慢慢生長一些東西出來。」也明白，沒有對與錯，從心出發便好。這段摸索的經歷，帶領他進入近幾年的階段，再次自我挑戰，成就去年首演、今年5月重演的《搖滾芭比》，他演繹變性人Hedwig，在台上變裝，戴假髮穿高跟鞋，顛覆大家對他一貫文質彬彬的印象，他又提到因飾演哈利波特而聲名大噪的Daniel Radcliffe，「他拍恐怖片、在舞台上全裸，很想打破形象。」 ｜不完美的人 他已接觸《搖滾芭比》很多年，但一直覺得自己難以駕馭，直到演出《大狀王》後，西九文化區同事跟他洽談，終於讓放在「櫃桶底」多時的《搖滾芭比》見觀眾，「沒有多顧慮，只想解放自己！」林俊浩擔當創作總監、導演、編舞，「他有自己的美學見解，現在《搖滾芭比》所呈現的，就像節慶、嘉年華，很驚喜！」去年首演，觀眾反應超出他們預期，他們也從首演得到經驗，知道可以做得更好更成熟，是次重演，服飾更漂亮、舞台升級，「重演是給創作團隊一次『覆桌』機會！」他也再次直面如此複雜的角色，「Hedwig是一個非常不完美的人，所以才跟觀眾以至這個世界那麼接近，Hedwig只是比我們勇敢，把自己所有都揭出來，包括憤怒、無奈、哀痛、暴烈。」 阿佐走過的路，其實就是一眾前輩走過、開拓的路，而《大狀王》的成功，印證粵語音樂劇也能走出香港，「希望香港可以跟亞洲其他地區的劇場並駕齊驅。我們一點都不遜色，有自己的故事和製作，值得被更多人看見，加上香港人靈活、拼搏的特質，絕對做得到。」日後別人談到亞洲音樂劇，「希望香港能佔一席位！」《搖滾芭比》後，阿佐沒有放慢腳步，將於7月赴台灣主演百老匯傳奇音樂劇《COMPANY》，首次挑戰全英語演出，他演繹的Robert，是他其中一個Bucket List的角色，繼Hedwig後又多剔一個。然後繼續朝第一百套演出之路邁進。 西九演藝 x 林俊浩 x 鄭君熾《搖滾芭比》 日期：5月15日至31日 地點：西九文化區自由空間大盒 網頁：www.westk.hk/tc/event/hedwig-and-the-angry-inch In ACOO, you can see #ACOOPerson.

《獅子山下》、《友誼之光》這些廣東歌，你可能都聽過。但如果用當代舞來演繹，又會變成怎樣？ 城市當代舞蹈團新作《兩咚咚》由兩個舞作組成。台灣編舞家陳武康的〈休息記〉，從經典粵語流行曲出發，讓熟悉的旋律進入年輕舞者的聲音與身體。在他看來，Cantopop 不只是懷舊，也是一個重新回看香港流行金曲如何走到今天的入口。 另一邊，香港編舞家黃振邦的〈流離半空中〉，則從「念頭」與「觀」開始。那些停不下來的想法、日常裡不斷出現的聲音、被放大或傳染的情緒，都在舞台上變成可以被觀看的身體狀態。 一首歌，一個念頭。 一邊從廣東歌回看香港，一邊從念頭觀看自己。 CCDC《兩咚咚》 日期｜2026.5.29–5.31 地點｜葵青劇院演藝廳 節目詳情｜https://qrs.ly/14hdru4 ACOO 讀者於 art-mate 或城市售票網購票，輸入優惠碼【ACOO10A】即享9折！ 🎫購票平台 art-mate：https://qrs.ly/4qhdru5 URBTIX：https://qrs.ly/6rhdru8 大麥網：https://qrs.ly/o2hcm5f In ACOO, you can see #ACOOPerson. 採訪：Ines @ines.tsui 攝影：Andrew @andrew_bangchan 剪接：PL 設計：Larry @ialyrral_

要數香港唱功最強的女歌手，林憶蓮必定佔一席位。她是天后中的天后，紅遍兩岸三地，亦是少數由八十年代活躍至今的天后級女歌手。出道四十年，她的歌唱水準絲毫未減，而且在音樂上不斷進化，追求突破。今年60歲的她，事隔9年再在香港開演唱會，兩場啟德場主場館全部售罄，歌迷當中亦不乏年輕人，足證她的魅力。 林憶蓮進入樂壇，也算是無心插柳。她父親是中樂團二胡樂師，母親則鍾情紹興戲，林憶蓮雖然喜歡音樂，卻沒想過做歌手。中學時陪朋友報名做兼職DJ，16歲就進了電台工作，在一次電台表演後被發掘，簽約做歌手。1985年，只有19歲的她推出首張專輯，唱片公司將她塑造成日系青春偶像。那時候的她只是順著安排，唱市場覺得合適的歌。結果首張專輯反應平平，她一度認為自己不適合做歌手，向唱片公司老闆請辭，幸好老闆勸她再試一試。其後她轉走歐美風，以都會女性形象重新定位，逐步建立個人風格，人氣亦隨之上升。推出國語專輯後，更迅速紅遍兩岸，建立她樂壇天后的地位。 林憶蓮最令人佩服的地方，是她不斷突破自己，而且自我要求極高。她出道初期唱功未成熟，甚至被批評為「雞仔聲」，於是就找老師惡補，唱功突飛猛進。1994年她在籌款節目上唱《依然》連升9 Key，技驚四座，至今仍被網民回帶。神級如她，近年仍然在學習聲音的運用，探索新的唱法，所以聽林憶蓮，從來不會覺得老套，她由唱腔到音樂風格都與時並進，甚至有點前衛。到了她這個級數，其實大有本錢「食老本」，但她仍然追求進步與創新。在她出道差不多30年後，先後憑2012年推出的專輯《蓋亞》和2018年的《0》，兩度拿下金曲獎最佳國語女歌手，再創高峰。 現在歌手間中會開Side Track演唱會，而在香港第一個這樣做的人，就是林憶蓮。她在《憶蓮Live 07》專唱非主打的冷門歌。當時的評價兩極，有人欣賞她的膽色，也有人覺得太曲高和寡。在音樂會期間，螢幕出現過一句話：「Playing Safe Is Boring 墨守成規是沉悶。」不熟林憶蓮的可能只記得她的經典情歌，但她的心底其實一種有種實驗精神。早在1991年推出的《野花》，就已經是一張極具實驗性的前衛概念專輯。 她曾說，最初進入音樂產業時沒有太多想法，但經過多年後，有了成熟的能力去面對自己，便想縱容自己去做滿足自己的東西，「如果再重複一直做以前做過的事情，那就等於浪費了生命。」例如讓她拿下金曲獎的《蓋亞》，就是她覺得普羅大眾未必接受，但她自覺能夠誠懇表達自己的作品。像她在《無言歌》的歌曲介紹這樣寫：「我不想再製造安全的無味，我想誠實的傳達我的感受，在不再鬱悶的音樂中隨性而盡興。」 林憶蓮今年60歲，仍然給人一種有型的感覺，除了因為她沒有固步自封，積極與時並進；也來自這種沒有刻意討好聽眾，誠實地滿足自己的自若，讓她成為天后中的天后。 文字：林三 @lam.three 設計：ZH @zzzzzzzih_ -------------------- In ACOO, you can get refreshed in #ACOOMinute.

如果你有機會穿越，你會想去哪個時代？ 《代父重婚》的主角，沒有選擇的餘地。一日，他突然得以回到過去變成自己的父親，就在父母大喜之日，他要代父成婚？代父出征嗎？過去的每個抉擇都牽動着未來，若不娶妻（也是自己的母親），若不行房，自己就可能從世界上消失。 劇情表面荒誕惹笑，骨子裡卻在談親情，講主角如何穿越時空，修補與母親之間那道裂痕。灰色幽默之中，藏着幾分溫情，觀眾笑着笑着，也被感動到。《代父重婚》去年在葵青劇院黑盒劇場以試驗形式演出，反應熱烈。今年八月，將搬到香港大會堂劇院，正式登上主舞台演出。 訪問當日，導演盧智燊聯同演員蔡蕙琪、莫珏邦、文愷霖一同回味排練的溫馨點滴。談及初看劇本時，他早已篤定這個故事一定得！「這個劇本很有意思，我導過《解憂雜貨店》，對我來說也是個很有意思的劇本，而《代父重婚》在我心中的排名跟它不相伯仲。」 文字：Godric @_godricleung 攝影：Eddie @eddielok814 設計：ZH @zzzzzzzih_ ｜一早注定要「大」演 「一定得」不只是導演的直覺，更是一讀劇本便種下的確信。盧智燊憶述初次細閱編劇許晉邦的故事，已被深深震撼，原因有三。第一，劇情張力不是靠角色「口講」，而是由事件環環緊扣自然而生。第二，穿越時空的架構縝密嚴謹，第一稿已幾乎找不到漏洞。第三，雖然故事好笑，但不流於胡鬧，反而觸及每個年輕人與原生家庭之間難以言說的矛盾，那些說不清、道不明的隔閡。「好笑，有訊息，事件是發生的，有這三個元素，我就覺得一定成功。」 演出不足一年便便火速「重演」，是票房驅使？盧智燊卻直言，一切早在計劃之內。在他心底裏，黑盒那次演出不過是一場很認真的「試驗」，他早已籌謀，要將《代父重婚》搬上更大的舞台。「這個戲是喜劇，某些場面更是接近鬧劇，所以八至九位演員的能量需要很高。而且故事的布景有天台與客廳，又要不斷來回穿越九十年代及現代，你會想像到這一齣戲適合一個比較大的空間，去容納這些這麼大的能量。」 ｜戲裡戲外，說的都是家人 《代父重婚》的核心，說到底，是家人。去年演出後，戲中飾演媽媽的文愷霖（Bubbles）收到觀眾的反饋，對方指自己看完戲後，也主動跟母親修補關係。「我覺得這件事很有意義，也沒有想過這齣戲可以做到這個效果。」飾演姑姐的蔡蕙琪（Kay）也格外在意觀眾對這齣戲的感受，因為《代父重婚》談及家人，是每個人都能產生共鳴的主題。「甚至有一場演出，我刻意留意第一、二行的觀眾，看他們有甚麼反應，會不會抹眼淚。」 劇情感動的，不只是台下的觀眾，還有台上的演員。Bubbles 坦言演了《代父重婚》，「我好像認識了多一些我媽媽是一個怎樣的人。」現實中的自己與戲中主角成桂賢如出一轍，跟家人的關係一向疏離。劇本要求她同時演繹年輕與年長兩個階段的媽媽，起初難以代入，卻在反覆排練之中，不知不覺走進了角色，也走進了自己母親的內心世界，找到與母親重新靠近的起點。 飾演主角好友小松的莫珏邦（Michael）起初卻猶豫要不要邀請家人來看。「這套戲我一開始很怕叫家人來看，因為第一句已經是粗口，第四句、第五句……粗口出現的次數是PG 家長指引的了。」然而，他記得在中英劇團最後一次內部彩排，去到故事結尾，大家都默默被感動。「這套戲可能比較粗俗地踎，但到結局扭轉的時候，感受到排練室內大家的呼吸，我就覺得這套戲很值得分享給家人。」作為演員，被故事感動是一回事，能與觀眾、抑或家人同呼同吸，才最珍貴。 ｜排練，不只是上班 演出能夠感動人心，背後的排練過程其實也滿載溫馨。三位演員也不約而同提起排練前，他們很喜歡俗稱 Check-in 的「圍圈圈傾心事」環節。手拖住手，閒聊一下，起初不過是關心一下大家近況，後來逐漸深入，聊起自己為了甚麼演戲、為甚麼要讀香港演藝學院。這不只為了暖場，不只為了情緒價值，而是讓演員們真實地認識彼此。盧智燊說：「大家天天都見，但又有沒有真正認識過。一個這麼有溫度的戲，但如果演員們都不connect的話，就只是演戲。我希望他們，包括我，是有溫度的。」 不只談心，導演也帶着演員一起玩。「要打波、要玩board game、要玩eye killer……在我導演下的作品，無論有多急，這些熱身都很重要的。」就算排練日程有多繁忙，也要花一兩個小時去玩。「我很想他們不要當排戲是上班，你是演員來的，你要玩！那個玩，是有意義的玩，我們一齊玩，去講一件好有意義的事。」 ｜外闖過後，再聚首 是次演出，對Kay 及Bubbles 來說都別有意義。兩位分別在去年初夏及今年年初離開中英劇團，成為自由身演員。今年，Kay 在電影《夜王》葵芳一角嶄露頭角，而Bubbles 則活躍於舞台劇界，同時積極探索演員以外的生活經歷。 這一次以舊生身份回中英演戲，他們形容有種回到幼稚園的快樂。熟悉的環境，熟悉的人，就算幾個月沒見，見面的瞬間好像甚麼都沒變。也正因如此，二人都感嘆，在外闖蕩過，才更清楚劇團的珍貴。Bubbles 說：「在外面比我想像中，會遇到更多碰壁，心理質素要變高，變得更勇敢。」 Kay 則指，去年《代父重婚》是離團前的最後演出，今次再度演出對她來說特別有意義。回想以往在劇團內工作，好多行政瑣事都有人代勞，自己只需要做好演員本分，集中排練。現在作為自由身演員，凡事也要親力親為。不過，她也提到中英劇團的訓練，令她養成了演戲要有自己的想法，這份基本功，也成了她離團後獨當一面的最大依靠。「無論做甚麼角色也好，我們都很想，甚至會求大家，讓我們用自己的方法演，要為自己設計一些特點才安落。」盧智燊也笑言，中英劇團就好像一個木人巷，把大家訓練好，再送他們出去衝。而像這次演出，又可以邀請大家回來，一同玩，一同成長。 ｜大舞台的期待 問到導演，是次演出規模更大，有甚麼會變得不一樣？盧智燊指，舞台設計方面，演區將進一步擴闊，並加入機動佈景，讓穿越場景的轉換更流暢、更有驚喜。演出陣容方面，也有兩位演員加入，包括梁翠珊以及梁天尺。前者是盧智燊在香港演藝學院的師妹，相識逾二十年，而後者則是他一直很欣賞的演員。他也很期待兩位如何以獨特的幽默感，衝擊其他演員。 而最讓人期待的，是團隊決定為媽媽一角加入特技化妝。在戲中，現代的媽媽歷盡風霜、臉容憔悴，但回到九十年代的她，卻是青春玲瓏。為了增加真實感，盧智燊指，團隊也會為Bubbles 做臉部「倒模」，挑戰可否在穿越快速轉場中，做到「變身」的效果！「在電影界可能很普遍，但在舞台做這件事，是很貴的。但我們都願意為這套戲去做。」 ｜如果可以穿越，你會嗎？ 訪問尾聲，記者問四人，如果他們也有像戲中主角成桂賢一樣的穿越能力，會想回到過去改變甚麼？ 沉思片刻，出奇地，大家都不想做改變。Bubbles 說得直接：「我也很頗相信自己做的決定。」Kay 也覺得現階段的人生，也沒甚麼可上訴。Michael 想得更務實：「你以往做的決定，一定是根據當下最好的選擇。」若真有甚麼遺憾，倒不如現在彌補。 而在《代父重婚》裏，有一件事也很重要：有些事情要發生，它一定會發生。盧智燊說，凡事必然有代價，等價交換，穿越也不例外。戲裏的成桂賢費盡心思想改寫命運，台上這四個人，卻選擇留在當下。「我是這個樣子的話，就這樣吧，感恩現在，展望將來就好。」 ​​In ACOO, you can see #ACOOPerson. #中英劇團 #代父重婚